O artista formador: Stela Barbieri Stela Barbieri, artista, ex-coordenadora dos Educativos da Bienal e do Instituto Tomie Ohtake e diretora do Binah Espaço de Arte (Foto: Paulo D'Alessandro)

O artista formador: Stela Barbieri

Em série de depoimentos, grandes nomes da cena brasileira contam como transmitem seu amor e apreço pela arte às novas gerações

Por Luciana Pareja Norbiato, Felipe Stoffa e Stela Barbieri

Ensinar é um processo múltiplo. Nenhum método de ensino dá conta sozinho de fixar as bases de atuação de seus agentes. Mesmo nas ciências exatas, a maneira como o professor lida com sua disciplina influencia diretamente os resultados e o interesse dos alunos. No ensino de artes visuais, essa fluidez epistemológica é potencializada. O ato do ensino e da aprendizagem pode começar em instituições formais, como escolas e faculdades, e ultrapassar a sala de aula para acontecer em conversas, projetos e até na rua. A produção de certos artistas não seria a mesma sem o ato generoso de compartilhar conhecimento e experiência com as novas gerações. Saiba o que Stela Barbieri, artista, ex-coordenadora dos Educativos da Bienal e do Instituto Tomie Ohtake e diretora do Binah Espaço de Arte, pensa sobre a dimensão formativa da arte:

“Obras-oficinas que conectam arte e educação”
Tenho trabalhado com espaços ativos que conectam arte e educação. São obras-oficinas que convidam o público a coabitar o trabalho em um ambiente de investigação. Os Lugares propiciam relações e negociações e são potencializadores do movimento do corpo e do pensamento das pessoas. Neles, os participantes se colocam em jogo, na possibilidade de vivenciar temporalidades diversas.

Um de meus trabalhos recentes é o Banho de Canto. Trata-se de uma instalação de ferro oval com instrumentos pendurados e uma cadeira de balanço no centro. Os participantes ativam a obra tocando e cantando a partir da relação com a pessoa que está sentada na cadeira. Durante uma sessão, todos passam pelo centro e recebem o Banho de Canto. Sempre convido pessoas para participar anunciando na internet. Geralmente, aparece gente – conhecida e desconhecida – e um acontecimento diferente se dá cada vez que a obra é ativada. Há dias em que as pessoas entram numa sintonia e há mais energia; em outros acontece uma sonoridade caótica, desencontrada. É algo imponderável, que ainda estou investigando.

O artista formador: Paulo Pasta Paulo Pasta, artista e professor no Sesc Pompeia e Instituto Tomie Ohtake (Foto: Paulo D'Alessandro)

O artista formador: Paulo Pasta

Em série de depoimentos, grandes nomes da cena brasileira contam como transmitem seu amor e apreço pela arte às novas gerações

 Por Luciana Pareja Norbiato, Felipe Stoffa e Paulo Pasta

 

Ensinar é um processo múltiplo. Nenhum método de ensino dá conta sozinho de fixar as bases de atuação de seus agentes. Mesmo nas ciências exatas, a maneira como o professor lida com sua disciplina influencia diretamente os resultados e o interesse dos alunos. No ensino de artes visuais, essa fluidez epistemológica é potencializada. O ato do ensino e da aprendizagem pode começar em instituições formais, como escolas e faculdades, e ultrapassar a sala de aula para acontecer em conversas, projetos e até na rua. A produção de certos artistas não seria a mesma sem o ato generoso de compartilhar conhecimento e experiência com as novas gerações. Saiba o que Paulo Pasta, artista e professor no Sesc Pompeia e Instituto Tomie Ohtake, pensa sobre a dimensão formativa da arte:

“O que tenho a ensinar é, principalmente, a valorização da experiência”
Quando comecei a dar aulas de arte, não possuía um método, um programa a partir do qual pudesse me orientar. Fui aprendendo com a prática. Aprendi o que ensinava, se posso dizer assim. E isso me parece, agora, a melhor forma de aprendizado. E esse sistema talvez seja a parte essencial do exercício da própria pintura: aprender com a experiência, com a prática do fazer.

Posso dizer, então, que o que tenho a ensinar é, principalmente, essa valorização da experiência. Nesse sentido me coloco (e me sinto) muito mais um interlocutor do que professor. Procuro entender as reais motivações e origens dos trabalhos e responder a elas, sem generalizações ou ideologias.

Gosto também de pensar – a exemplo da declaração de Sean Scully – que procuro manter e preservar um espaço para o exercício continuado da pintura, quando tudo parece cooperar para que isso não ocorra.

O artista formador: Sandra Cinto e Albano Afonso Workshop de Sandra Cinto (Foto: Ding Musa)

O artista formador: Sandra Cinto e Albano Afonso

Em série de depoimentos, grandes nomes da cena brasileira contam como transmitem seu amor e apreço pela arte às novas gerações

Por Luciana Pareja Norbiato, Felipe Stoffa, Sandra Cinto e Albano Afonso

 

Ensinar é um processo múltiplo. Nenhum método de ensino dá conta sozinho de fixar as bases de atuação de seus agentes. Mesmo nas ciências exatas, a maneira como o professor lida com sua disciplina influencia diretamente os resultados e o interesse dos alunos. No ensino de artes visuais, essa fluidez epistemológica é potencializada. O ato do ensino e da aprendizagem pode começar em instituições formais, como escolas e faculdades, e ultrapassar a sala de aula para acontecer em conversas, projetos e até na rua. A produção de certos artistas não seria a mesma sem o ato generoso de compartilhar conhecimento e experiência com as novas gerações. Saiba o que Sandra Cinto e Albano Afonso, artistas e organizadores do Ateliê Fidalga (SP), pensam sobre a dimensão formativa da arte:

“A educação se dá em qualquer espaço de convívio social”
Há algum tempo estamos tentando mudar a ideia do Ateliê Fidalga, enquanto um lugar parecido com uma escola ou local onde se oferece algum tipo de curso ou orientação. Faz tempo que não temos mais “alunos”. Refletimos muito sobre as práticas de educação em arte e o nosso trabalho foi ganhando outra dimensão. Partindo da ideia de que a educação se dá em qualquer espaço de convívio social, Albano e eu percebemos que o nosso trabalho no Ateliê Fidalga acontece muito mais como mediadores das discussões e propositores dos encontros entre os artistas, para que sejam feitas trocas.

O conhecimento é compartilhado de uma maneira horizontal, entre todos. Todas as áreas do conhecimento são bem-vindas e todos os artistas têm algo para dividir, aprender e trocar com o outro em termos de experiências. Também estamos bastante focados no Projeto Fidalga, um desdobramento do Ateliê Fidalga, localizado no nosso antigo ateliê. Nesse local funcionam cinco ateliês de artistas, um ateliê que é uma bolsa de incentivo para artistas sem espaço próprio (Bolsa Estúdio Fidalga), um programa sem fins lucrativos de residência (Residência Paulo Reis) e uma sala para exposições experimentais realizadas pelos artistas e curadores residentes, e artistas jovens ou em meio de trajetória que tenham um projeto para desenvolver e necessitam de espaço (Sala Projeto Fidalga). Nesse caso, a educação como ação transformadora e geradora de conhecimento acontece pela prática e pelas trocas no local: conversas organizadas durante a exposição, intercâmbios com universidades (Musashino e Aomori Art Center, no Japão, e Instituto de Geociências da USP, entre outros) e incentivo a publicações para multiplicar o conhecimento (desde o ano passado, as nossas publicações, além de impressas, são também virtuais, para que as pessoas possam baixá-las e terem acesso à pesquisa) e nos desdobramentos dessa experiência, a ressonância. Um exemplo é Renata Cruz, artista do grupo de estudos que está neste momento no Japão. Ela participa do nosso programa de intercâmbio com o Aomori Art Centre. A ideia de compartilhar o conhecimento vai se expandindo como uma hera.

Outra pedagogia Encontro do grupo de acompanhamento crítico de pintura, coordenado por Regina Parra e Rodolpho Parigi

Outra pedagogia

Cada vez mais, artistas trabalham em paralelo com outras áreas, como a educação

Por Luana Fortes

 

Parece que já se foram os tempos em que o trabalho do artista era restrito à sua prática. Atualmente, é bastante comum encontrarmos combinações entre áreas que antes pareciam distantes umas das outras. Como conceituou Ricardo Basbaum, é a hora do artista-etc, aquele que além de se dedicar ao ser artista, também questiona a natureza e função de seu papel como tal. Pensando nisso, uma possível, e bastante comum, ligação é o artista-professor.

A grande maioria das universidades brasileiras que oferecem cursos de artes contam com artistas-professores como docentes. Só em São Paulo, para dar uma ideia, pode-se citar muitos nomes, como Dora Longo Bahia, Ana Maria Tavares ou Marco Gianotti, na ECA-USP; Thiago Honório, Regina Parra ou Lucas Bambozzi, na FAAP; Sérgio Romagnolo ou José Spaniol, na UNESP. Pensando nisso, aquela leviana percepção de que os profissionais atuantes na academia não conseguiram espaço no mercado trata-se de um grande engano.

Inclusive, existe, nos Estados Unidos, uma associação especialmente dedicada a essa união professor-artista, a ATA – Association of Teaching Artists. Desde 1998, a organização funciona para apoiar profissionais nessas áreas e inclui também o teatro, a literatura, música, entre outras.

Com tudo isso em vista, vale dizer que as confluências entre a arte e a educação não tendem a cessar. Assim, além do artista-formador, que vamos abordando com uma série de depoimentos, iniciados pelo da artista Regina Silveira, o artista-professor vem, cada vez mais, conquistando espaço no sistema da arte.

O artista formador: Regina Silveira Regina Silveira exercita sua interação com públicos anônimos em trabalhos de intervenção urbana como a calçada em frente à Biblioteca Mário de Andrade, em São Paulo (Foto: Paulo D'Alessandro)

O artista formador: Regina Silveira

Em série de depoimentos, grandes nomes da cena brasileira contam como transmitem seu amor e apreço pela arte às novas gerações

Por Luciana Pareja Norbiato, Felipe Stoffa e Regina Silveira

 

Ensinar é um processo múltiplo. Nenhum método de ensino dá conta sozinho de fixar as bases de atuação de seus agentes. Mesmo nas ciências exatas, a maneira como o professor lida com sua disciplina influencia diretamente os resultados e o interesse dos alunos. No ensino de artes visuais, essa fluidez epistemológica é potencializada. O ato do ensino e da aprendizagem pode começar em instituições formais, como escolas e faculdades, e ultrapassar a sala de aula para acontecer em conversas, projetos e até na rua. A produção de certos artistas não seria a mesma sem o ato generoso de compartilhar conhecimento e experiência com as novas gerações. Saiba o que Regina Silveira pensa sobre a dimensão formativa da arte:

“Ensinar arte em profundidade é orientar na busca da expressão poética própria”
Ao longo do meu percurso, sempre foi da maior importância a dimensão formativa da arte – aquela que vem embutida na sua capacidade de ser e de proporcionar um conhecimento muito particular do mundo, com o potencial de transformar magicamente o que entendemos como real e nossas próprias experiências de vida. Desde os anos 1960, estive constantemente interessada nessa dimensão e muito envolvida com atividades educativas diversas, tanto na esfera da produção/fabricação da linguagem – a do ensino da arte, onde literalmente “pendurei” algumas décadas da minha vida profissional, quanto na esfera da recepção da arte – a da sua interpretação, seus efeitos e usos, por diversos públicos.

Nessa última esfera incluo não apenas minha prática recorrente de planejar programas educativos organizados especificamente para exposições realizadas no Brasil e no exterior, geralmente em parcerias muito produtivas, como também algumas formas de arte pública que venho desenvolvendo em anos recentes, especialmente as intervenções diretas no tecido urbano, fora dos espaços instituídos da arte. Por seu grau muito ampliado de interação com públicos anônimos, as intervenções urbanas podem funcionar como assaltos à percepção comum, e se mostram capazes de modificar por muito tempo a forma de ser dos lugares ocupados.

Quanto à formação do artista, para mim, ensinar arte em profundidade é orientar na busca da expressão poética própria e é estar na do outro, para encaminhá-lo nessa descoberta, muito mais que instrumentar para o manejo de materiais e técnicas particulares. A tarefa do mestre junto ao jovem artista é ajudá-lo a dar forma e concreção às suas perguntas e formulações, dentro de uma intencionalidade que ainda é vaga ou está em construção, para que encontre aquilo que quer dizer e os modos de operar para chegar lá, seja qual for o caminho escolhido. Para o mestre, o mais importante nessa relação é a troca, pois ela é a sua melhor ponte e vínculo com as próximas gerações e novos quadros de ideias.

 

Novos museus universitários Distrito artístico da Universidade de Stanford, na Califórnia (Foto: Tim Griffith/ Anderson Collection, Stanford University)

Novos museus universitários

Em 2016, seis museus de arte foram inaugurados em universidade públicas e privadas nos EUA


Por Felipe Stoffa

 

Ao longo das últimas décadas, universidades públicas e privadas dos Estados Unidos vêm investindo sistematicamente no aprimoramento de currículos voltados às artes e a cultura. As maiores instituições de ensino superior do país estão financiando novos museus e sediando coleções. Somente no ano de 2016 foram seis museus universitários inauguradas em território norte-americano. É o que aponta a matéria recente publicada pelo site The Art Newspaper.

Acompanhando essa mentalidade, tradicionais escolas de elite como Columbia, em Nova York, e Rice, no Texas, investiram milhões de dólares para se equipararem à concorrência que já possui museu próprio, como Stanford, na Califórnia; Harvard, em Massachusetts; e Yale, em Connecticut. Os motivos estão intimamente ligados ao reconhecimento de que a arte e a criatividade serão atividades vitais para as próximas gerações, por sua influência direta na agilidade do pensamento.

Artes para além da arte
Desde 2006, a Universidade de Stanford construiu três edifícios que abrigam atualmente um distrito artístico dentro de seu campus – sendo um deles projetado para receber uma coleção de arte americana do pós-guerra. Esse complexo arquitetônico é acompanhado de uma mudança curricular: todo estudante deve realizar, ao menos, uma disciplina de expressão criativa, independente do curso escolhido. “Stanford analisou que as artes e a criatividade são vitais para a próxima geração de empreendedores, pessoas com capacidade para entender diferentes perspectivas, o que significa trazer algo de novo para o mundo”, comentou Matthew Tiews, diretor Associado para o Desenvolvimento das Artes da Universidade.

Esses jovens distritos artísticos são formulados para abrigar exposições de alto padrão e estimular a pesquisa acadêmica, além de aproximar seus estudantes do universo cultural, resgatando disciplinas que antes eram vistas como conteúdos extracurriculares e periféricos de uma educação formal. No caso de Stanford, alunos de medicina dispõem de um passeio pelas esculturas de Auguste Rodin a fim de realizarem estudos minuciosos de anatomia.

Para as universidades de Rice; Columbia; Duke, na Carolina do Norte; Princeton, em New Jersey; e Virginia Commonwealth, em Richmond, o calendário de 2017 já conta com a inauguração de museus próprios, entre os meses de fevereiro e outubro.

O caso brasileiro
O Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC-USP), é um dos maiores exemplos de museus de arte comandados por universidades brasileiras. A instituição, entretanto, é um caso excepcional no País, por ter um setor curatorial formado por professores e pesquisadores integrantes do corpo docente da USP, permitindo atividades voltadas à integração entre ensino, pesquisa e extensão cultural.

Outras instituições, como o Museu Dom João VI da Universidade Federal do Rio de Janeiro; e a Pinacoteca Barão de Santo Ângelo, da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, em Porto Alegre, também possuem acervos de arte coordenados pelos docentes das respectivas universidades. Entretanto, esse quadro de profissionais não permite que seus professores exerçam uma atividade curatorial permanente, já que são rotativos.

Fora da esfera pública, faculdades privadas como a Fundação Armando Álvares Penteado, em São Paulo, e a UNIFOR, em Fortaleza, possuem museus que abrigam importantes coleções privadas e mantém atividades curriculares que dialogam com o universo das artes e o mundo acadêmico.

Abaixo da média Instalação Dengo, de Ernesto Neto (Foto: Reprodução)

Abaixo da média

Que futuro podemos vislumbrar quando a principal avaliação da educação básica no mundo mostra que o Brasil está estagnado nas piores colocações do ranking?


Por Paula Alzugaray

 

Uma pesquisa divulgada pelo Programa Internacional de Avaliação de Estudantes (Pisa), na terça-feira 6/12, aponta que o Brasil ocupa, pela segunda vez consecutiva, o 65º lugar do ranking dos 70 países avaliados. Organizado pela OCDE (entidade que reúne os países desenvolvidos), o Pisa é o principal medidor de nível educacional do mundo, com resultados divulgados trienalmente, a partir de pesquisas aplicadas em alunos na faixa etária entre 15 e 16 anos. A atual edição do relatório mostra que o Brasil só supera a República Dominicana, a Argélia, o Kosovo, a Tunísia e a Macedônia.

Cerca de 24 mil estudantes de todo o País participaram da pesquisa, que avaliou o desempenho nas áreas de matemática, leitura e ciências, em 2015. Os resultados apontaram que, em matemática, o País ocupa a 65ª posição; em ciências está na 63ª posição; e, em leitura, acabou por obter o melhor resultado, o 59º lugar. As duas últimas disciplinas mantiveram suas posições estacionadas em relação à pesquisa de 2012, enquanto matemática caiu 14 pontos.

Longa estagnação
Entre 2009 e 2015, a média brasileira em matemática caiu de 391 para 377 pontos, enquanto a média dos países da OCDE na disciplina é de 490. Mais de 70% dos alunos brasileiros não conseguiram alcançar o segundo nível da prova de matemática, considerado básico para exercer a cidadania. Com esse resultado, o Brasil não fica desfavorecido apenas em relação aos países ditos desenvolvidos, mas é também superado por nações de contextos muito parecidos, como a Colômbia e o México.

Tão preocupante quanto é o fato de as médias em leitura estarem estagnadas há 15 anos. A estagnação em ciências ocorre desde 2006. Dos 27 estados da Federação, apenas o Amazonas e o Espírito Santo apresentaram médias superiores às edições anteriores.

De todos os jovens participantes da pesquisa, perto de 74% são alunos de escolas estaduais. Os alunos da rede particular de ensino apresentaram resultados superiores à média nacional, mas ainda pouco satisfatórios em relação às regiões desenvolvidas. Os números do Pisa 2015 são particularmente alarmantes, por não refletirem o suposto investimento no setor: em 12 anos o orçamento do MEC triplicou, atingindo a receita atual de R$ 130 bilhões. “O resultado mais esperado é o que virá na próxima edição, que refletirá o ajuste fiscal e os cortes na área”, diz Daniel Cara, da Campanha Nacional pelo Direito à Educação, ao jornal Folha de S.Paulo.

Devemos esperar de braços cruzados?