Por uma reescrita coletiva do conhecimento Sepake Angiama (Foto; Vanley Burke)

Por uma reescrita coletiva do conhecimento

A curadora Sepake Angiama fala sobre a importância de desaprender para reprogramar o aprendizado

Nathalia Lavigne

A curadora e educadora Sepake Angiama costuma citar com frequência como desaprender se tornou um dos processos mais importantes em sua formação. Comparando ao gesto da tecelagem, “um desenrolar e desvendar contínuos”, ela parte dessa ideia para reavaliar a origem de uma educação quase sempre moldada pelo patriarcado imperial, escravizado e baseado em classes, que nem sempre é fácil de diagnosticar. “Desaprender é um processo contínuo para mim. É pessoal e se estende às instituições também”, diz à seLecT.

Sepake Angiama foi curadora de Educação da documenta 14 e tinha recém-assumido a direção artística do Institute for International Visual Art (Iniva), em Londres, quando o lockdown foi decretado na cidade. Fundado em 1994 por Stuart Hall, criador do campo dos Estudos Culturais no Reino Unido, a organização se firmou como um dos espaços mais inclusivos na cena de arte contemporânea naquele país, dedicando-se especialmente a artistas da diáspora africana e asiática. Nesta entrevista, ela fala também sobre sua atuação como uma das curadoras da última Bienal de Arquitetura de Chicago, junto com Paulo Tavares, edição que dedicou grande atenção a São Paulo e uma sala especial à Ocupação Nove de Julho, no Centro da cidade.

A curadora e educadora é palestrante do encerramento do 3º Seminário seLecT de Arte e Educação, transmitido ao vivo na terça-feira, 22/9, às 16h, na plataforma da seLecT no Youtube. O seminário é a terceira etapa do Prêmio seLecT de Arte e Educação, uma iniciativa organizada pela revista seLecT desde 2017, criada para valorizar e incentivar escolas, instituições de arte, espaços de ensino, projetos artísticos colaborativos e iniciativas inovadoras e experimentais que favoreçam os diálogos e os vínculos entre arte e educação. A terceira edição tem correalização do Itaú Cultural, apoio da galeria Almeida e Dale, parceria da galeria A Gentil Carioca e da Arapuru London Dry Gin.

seLecT: Você assumiu recentemente a função de diretora artística do Institute for International Visual Art (Iniva), em Londres. Quais os desafios de começar esse trabalho quando os museus já se encontravam fechados? 

Sepake Angiama: Acho que liderar uma organização de artes visuais é um desafio a qualquer momento. Mas fiquei bastante impressionada com a forma como a instituição pode se adaptar com flexibilidade e ainda encontrar maneiras de se manter próxima do público, embora agora digitalmente. A beleza desse momento é a expressão de uma abertura radical que talvez tenha permitido que importantes conversas acontecessem. Tivemos a oportunidade de trazer palestrantes e um público mais internacionais porque estávamos operando on-line. Mas também parece que há tanta conversa acontecendo que é difícil sintonizar e ouvir. Depois de seis meses trabalhando remotamente de nossas casas e longe da Biblioteca Stuart Hall, sentimos que é importante voltar à fonte, que é a inspiração para grande parte do nosso trabalho. Após todo esse tempo trabalhando só no mundo digital, estamos prontos para alguma atividade analógica. Estou sentido falta das visitas aos ateliês dos artistas, de visitar exposições e a oportunidade de encontrar pessoas aleatoriamente. Agora todos nossos movimentos são meticulosamente planejados: aonde você vai, com quem se encontra. Há um elemento de espontaneidade que se perde. Não podemos esquecer que grande parte do mundo da arte também opera no nível do boato e da fofoca. As conversas casuais são uma das mais produtivas e frutíferas para alimentar ideias.

Os protestos do Black Lives Matter (BLM), em maio, fortaleceram movimentos on-line como o #decolonizethismuseum e também aumentaram a cobrança sobre como as instituições de arte devem responder a essa questão. Por exemplo, grandes museus como o Metropolitan Museum of Art foram criticados por terem mencionado o movimento só algum tempo depois. Como você vê a forma com que os museus tem lidado com o tema do racismo e o que vocês têm procurado fazer na Iniva?

Em primeiro lugar, é importante reconhecer que o movimento BLM é parte de um continuum com raízes na primeira revolução importante na luta pela liberdade negra, no Haiti. Uma luta constante pelo reconhecimento e valorização da vida humana. Um chamado para acordar, uma postura conjunta, uma marcha contra todas as probabilidades de que a mudança não é apenas necessária, mas urgente. Temos que reconhecer o papel que os museus, em geral, desempenham na manutenção do status quo. Como todas as instituições, eles também alimentam uma cultura de dominação, detêm um status de poder e tudo o que visa ameaça-lo é menosprezado e silenciado. O trabalho de organizações de base, como BLM, mostrou que se pode criar um movimento de mudança em todo o mundo e as conversas que deveriam estar acontecendo estão finalmente acontecendo. O que importa, não é apenas o reconhecimento de vozes que foram marginalizadas, mas como compartilhar energia, tempo e recursos radicalmente para que nossas instituições reflitam as necessidades de nossa comunidade. Precisamos nos unir para ter conversas difíceis, encontrar novas intimidades – às vezes sem dizer nada, às vezes descobrindo o que significa fazer o trabalho. Queremos construir uma visão coletiva e uma missão compartilhada que reúna artistas e suas comunidades para perguntar o que queremos fazer juntos. Temos feito perguntas a nós mesmos e nos reunido com outras instituições de pequena escala, como nós, para fazer exatamente isso. A Iniva faz parte da Common Practice, que pretende ser um espaço onde podemos ter essas conversas. Por meio de alguns dos treinamentos que oferecemos para todos os funcionários, estamos procurando formar comitês de trabalho. Trata-se de defender em seu setor aqueles que você acredita que têm o poder e os recursos para fazer as mudanças. Acredito que as revoluções lentas podem ser tão radicais quanto uma virada brusca.

No início da pandemia, alguns museus dispensaram suas equipes do setor de educação, em vez de treiná-las para migrar as atividades para o on-line. Qual a sua opinião sobre esses episódios e o que acha que deveria ter sido feito?

Bem, este é definitivamente um momento difícil para tomar qualquer decisão. Acredito que cultura e educação combinadas constituem o ativo mais valioso para qualquer organização. Alguns podem dizer que a coleção é o patrimônio mais valioso, mas o que são esses espaços sem o diálogo e o engajamento com as histórias, narrativas e epistemologias que os cercam? Claro, podemos pensar em um milhão de possibilidades de como trabalhar com equipes de educação. Como educadora, tive dificuldade em me conectar com meus alunos on-line no início do isolamento, mas estamos explorando como pode existir uma intimidade digital nesse aprendizado. Abrimos caminho e, em alguns casos, acho que a conexão pelo menos entre os alunos ficou mais forte. Alguns encontraram maneiras de usar ferramentas de jogos para recriar ambientes analógicos. Agora, mais do que nunca, temos que centralizar o bem-estar em nossas vidas. Também precisamos desenvolver novas linguagens de cuidado, isso é algo que estou aprendendo com uma artista com quem estou trabalhando no momento, Jade Monseratt. Para realmente pensar na criação de uma infraestrutura de cuidado, é preciso considerar todos os aspectos do que significa ser um curador, um cuidado com a obra, um cuidado com o artista e também um cuidado com a linguagem e como nos comunicamos com o outro. Muitos foram sacrificados para salvar a instituição. É um equilíbrio fino e delicado de encontrar maneiras de sobreviver. Em alguns casos, se a instituição não puder ser revivida, sofreremos perdas em todos os aspectos.

Entre as iniciativas de museus, estão campanhas colaborativas em redes sociais, como desafios de desenhos ou pedindo às pessoas que reencenem versões de obras de arte em suas casas. Muitos estão reunidos na hashtag #betweenartandquarentine, criada pelo Rijksmuseum, mas seguida por outras instituições. Acredita que esse tipo de iniciativa é válida para democratizar a arte e torná-la coletiva?

Primeiro devemos perguntar se o objetivo dessas iniciativas é tornar a arte democrática e coletiva. Não sei sobre os programas específicos que você mencionou, mas uma das coisas que tenho gostado é a energia criativa coletiva que tem sido explorada em nossos vários locais e deslocamentos. E não me refiro apenas à atividade que museus e galerias oferecem. Sinto que, em alguns casos, no início do isolamento, as pessoas estavam se conectando de maneiras diferentes. Cozinhando, cuidando do jardim, dançando, lendo… Sinto que tem havido muita partilha e energia criativa, mas não para todos porque, como sabemos, o isolamento também revelou algumas disparidade e a iniquidade em nossa sociedade. Então é difícil falar do democrático ou do coletivo, quando já começamos a ver as fissuras que nos dividem.

A noção de desaprendizagem é algo que parece ter um papel muito importante na sua prática. Você poderia descrever a importância dessa ideia na educação?

Desaprender é um processo contínuo para mim. É pessoal e se estende às instituições também. Reconhece que nossa educação nasce do patriarcado imperial, colonial, escravizado e baseado em classes. Como você encontra sua voz em tudo isso? Quais são as histórias, narrativas e etimologias que nos foram negadas? Quem foi silenciado e por quem? De quem é a voz que você realmente carrega? Desaprender é como uma tecelagem – um desenrolar e desvendar contínuos, desvendando emaranhados que nos ajudam a valorizar e potencialmente até ver outras perspectivas diferentes das nossas. É pessoal porque reside no trauma de seu DNA. Então, para descobrir tudo isso, é preciso humildade, abertura, intimidade, encontrar outras maneiras de ser, de saber. Como diria Sylvia Wynter, seria necessária uma reescrita coletiva do conhecimento.

São Paulo foi uma das quatro cidades que teve destaque na terceira edição da Bienal de Arquitetura de Chicago, que teve uma sala dedicada à Ocupação Nove de Julho. Você poderia falar sobre a importância desse projeto para a concepção curatorial sobre narrativas apagadas de territórios?

Fiz parte da equipe curatorial da terceira Bienal de Arquitetura de Chicago que incluiu Yesomi Umolu (diretor artístico) e Paulo Tavares (co-curador) em 2017. Mas no ano que antecedeu a bienal nós planejamos um programa de pesquisa para alimentar os tópicos da exposição, educação e programa público chamado Unlearning Geographies. A pesquisa começou em Chicago e nos levou a São Paulo, Joanesburgo e Vancouver. Uma das questões abordadas em nossa pesquisa no Brasil era entender o que significa para um edifício ter o direito constitucional a uma função social. Como isso se manifesta e dá voz às pessoas que servem a cidade, mas não têm acesso a recursos para viver no centro. Conhecemos as mulheres mais incríveis do Movimento Sem Teto do Centro (MSTC), liderado por Carmen Silva, que concretizou seu direito de lutar por uma vida digna para comunidades e famílias de baixa renda do centro da cidade. O que aprendemos com Carmen e com o movimento é que o ativismo pode transformar a cidade e questionar o que significa ter direito a ela. Não como uma visão utópica, mas para que todos possam reconhecer o que significa ser poderoso como uma massa crítica que rearticula a cidade como forma de pedagogia a ser negociada e transformar as pessoas.

O ARTISTA FORMADOR: ANTONIA PEREZ Antonia Perez e seu trabalho White Fence (Foto: Nancy Bareis)

O ARTISTA FORMADOR: ANTONIA PEREZ

Dando sequência à série de depoimentos publicada na 33ª edição da revista seLecT, a artista americana conta como transmite seu amor e apreço pela arte às novas gerações

Como artista visual, estou ativa em dois mundo que, cada vez mais, se sobrepõe, tanto na realidade, como conceitualmente – o universo do artista como pensador, feitor, apresentador e o universo do artista como professor, facilitador, engajador social. Agora, quando considero minha prática, ela não está limitada a minha vida no ateliê, mas também inclui as maneiras pelas quais eu levo a vida do ateliê para o lado de fora e compartilho com os outros, não apenas com exposições, mas também com a audiência ativa de salas de aula, performances/demonstrações contínuas, trabalhos públicos de arte e workshops. Eu vejo a atividade artística de forma holística e eu penso a arte em si como uma parte integral da vida, sem a qual nós humanos teríamos uma existência estática. Eu vejo o papel do artista como o de alguém cujas responsabilidades incluem usar meios criativos para provocar perguntas e divagações, além de ativar o público, expandindo suas mentes. Eu vejo o artista, seu processo e sua produção como algo que deve estar disponível a todos, não apenas a uma pequena parcela da sociedade que podem arcar com o acesso.

Pela história, artistas foram professores, treinando pessoas mais jovens em suas escolas, filosofias, métodos e técnicas. Esse processo era uma parte integral das suas habilidades para sobreviver financeiramente como artista. O sistema produziu assistentes para criar grandes trabalhos sob o nome de algum nome e muitos deles tornaram-se reconhecidos artistas com méritos próprios. Uma forma desse sistema ainda existe na sociedade contemporânea. Estudantes de arte em programas de mestrado, ou trabalhando em ateliês sob a tutela de artistas consagrados, recebem esse tipo de treinamento e apenas poucos protegidos aprendizes conseguem abrir caminho nesse sistema. No entanto, ele exclui a vasta maioria do público geral de se engajar com a arte.

Desde jovem, cada indivíduo deve ter experiências ativas com arte – vê-la, pensar sobre ela, criá-la e desenvolvê-la. Para fazer isso, ele deve também ter um significativo contato com artistas que também são professores. Esse engajamento com a arte deveria continuar pela vida da pessoa até seus últimos dias. Trata-se de um engajamento íntimo que abre a cabeça de um visitante/participante a pensar crítica e analiticamente; ele libera para processos criativos que convidam à experimentação e exploração e leva a pessoa a entender a trajetória do cânone da arte, suas limitações e preconceitos. Ele convida o visitante/participante a um nível de entendimento da arte que é profundamente mais complexo do que uma simples contemplação do que é bonito ou tecnicamente adepto.

Esse tipo de relação e participação nas artes é para indivíduos que pensam crítica e analiticamente sobre o mundo ao seu redor, entendem que tem escolhas e uma voz, olham além da superfície para significados mais profundos das coisas, estão dispostos a trabalhar para soluções que ultrapassam as simples e óbvias, sentem-se confortáveis ao ouvir ideias dos outros e são verdadeiros apoiadores das artes como uma parte necessária da vida de todos. Engajamento ativo com a arte é para aqueles que não apenas apreciam-na como audiência passiva, mas pessoas que são reais participantes do universo ao redor. Artistas, que compartilham seus processos criativos e facilitam esse tipo de engajamento com crianças, jovens e adultos de todas as idades, são chamados de artistas formadores.

 

*Antonia Perez é artista visual, trabalha com escultura, pintura e trabalhos site-specific a partir da reutilização de materiais coletados ao longo do tempo – antoniaaperezstudio.com

Estrutura tecnológica de pensamento Fenster (Ventana/Window, 2001-2002/2010), de Luis Camnitzer (Foto: Cortesia Alexander Gray Associates, Nova York)

Estrutura tecnológica de pensamento

Curso de pós-graduação da FAAP propõe novos modelos para pensar o ensino

Por Luana Fortes

Como pensar processos de formação em um universo digital? De acordo com a professora e doutora Suzana Torres, não se trata apenas de usar a tecnologia como ferramenta na sala de aula, mas sim de pensar em uma estrutura tecnológica de pensamento. É a partir desse desafio que ela montou, e agora coordena, Docência e Educação na Contemporaneidade, apenas um dos vários novos cursos de pós-graduação que a FAAP passa a oferecer em 2017.

Torres acredita que a formação da grande maioria dos professores não é suficiente para fazer da sala de aula um espaço efetivo de aproximação, troca e construção. Por esse motivo, um curso de especialização mostra-se necessário. Causa estranhamento à professora que algumas práticas de ensino usadas hoje foram construídas quando a sociedade ainda era de tradição e cultura oral. Já se foram os tempos de ba be bi bo bu. Hoje, a cultura é digital. “Pensar o cenário atual é pensar em redes, conexões e imagens. É tirar o foco no ensino e colocá-lo na aprendizagem”, diz a professora à seLecT. Docência e Educação na Contemporaneidade, então, oferece um espaço para a proposição de outros desenhos, pois o atual é resultado de opções históricas que podem ser repensadas. “Às vezes, o professor nem quer ensinar de determinada forma, mas ele ainda não sabe fazer de outra”, pondera.

O curso é encabeçado pela Faculdade de Artes Plásticas da instituição, mas, pensando a educação como multidisciplinar e algo de comprometimento coletivo, não se destina exclusivamente para professores de áreas culturais. Ele traz à tona as possíveis contribuições que a arte pode trazer para a educação diante de uma solicitação de nível bem ampla, destinada a profissionais de diferentes graus de ensino, assim como aqueles que pretendem estar envolvidos com a educação apenas no futuro. Inclusive, esse é o ponto de partida do programa, que se inicia pensando a respeito daquilo que move e orienta os próprios estudantes do curso.

A oportunidade de montar essa pós-graduação também serve como pontapé para novas ações ao redor do mesmo assunto. É o caso da palestra Como se Ensina a Estudar: Uma Tarefa de Toda a Comunidade Escolar, ministrada por uma das professoras que compõe o corpo docente do curso, Walkiria de Oliveira, em 6/3, às 21h30.

Incerta reforma Camisa Educação#69 de Beto Shwafaty para galeria A Gentil Carioca (Foto: Pedro Agilson)

Incerta reforma

Mudanças no Ensino Médio geram insegurança a respeito da arte como disciplina obrigatória

 

Por Luana Fortes

 

Em 2016, estudantes da rede pública de ensino ocuparam mais de mil escolas ao redor de todo o País em protesto a certas medidas relacionadas a ensino. Uma delas, a Medida Provisória 746, que traz mudanças no segundo grau, acaba de ter seu texto aprovado pelo plenário do Senado Federal, seguindo para a sanção do presidente Michel Temer, a qual deve ocorrer nos próximos dias.

A carga horária do Ensino Médio passará a caminhar em direção à meta de ampliação para ao menos mil horas anuais em cinco anos e professores de notório saber, aqueles sem formação específica na área de atuação, poderão lecionar, mas apenas em ensino técnico e profissional.

Fora isso, a flexibilidade do currículo é uma das maiores mudanças propostas pela medida. Ela indica que 60% da grade será composta por disciplinas obrigatórias instituídas na Base Nacional Comum Curricular (BNCC) e 40% serão destinadas para os itinerários formativos, que se tratam de cinco áreas de estudo para aprofundamento. As escolas devem oferecer ao menos uma, sendo elas linguagens e suas tecnologias, matemática e suas tecnologias, ciências da natureza e suas tecnologias, ciências humanas e sociais aplicadas e formação técnica e profissional.

No entanto, algo que ainda parece instável é a situação das disciplinas de arte, educação física, sociologia e filosofia na BNCC, que deverá ser definida até o fim do ano. Por ora, as únicas matérias obrigatórias são matemática, português e inglês. Vale apenas dizer que o texto original da MP 746 não incluía a obrigatoriedade dessas disciplinas, mas uma emenda constitucional restabeleceu a norma quando o documento passou pela Câmara. O que se pode esperar para 2018, ou até 2019, é ainda um pouco incerto.

 

Novos museus universitários Distrito artístico da Universidade de Stanford, na Califórnia (Foto: Tim Griffith/ Anderson Collection, Stanford University)

Novos museus universitários

Em 2016, seis museus de arte foram inaugurados em universidade públicas e privadas nos EUA


Por Felipe Stoffa

 

Ao longo das últimas décadas, universidades públicas e privadas dos Estados Unidos vêm investindo sistematicamente no aprimoramento de currículos voltados às artes e a cultura. As maiores instituições de ensino superior do país estão financiando novos museus e sediando coleções. Somente no ano de 2016 foram seis museus universitários inauguradas em território norte-americano. É o que aponta a matéria recente publicada pelo site The Art Newspaper.

Acompanhando essa mentalidade, tradicionais escolas de elite como Columbia, em Nova York, e Rice, no Texas, investiram milhões de dólares para se equipararem à concorrência que já possui museu próprio, como Stanford, na Califórnia; Harvard, em Massachusetts; e Yale, em Connecticut. Os motivos estão intimamente ligados ao reconhecimento de que a arte e a criatividade serão atividades vitais para as próximas gerações, por sua influência direta na agilidade do pensamento.

Artes para além da arte
Desde 2006, a Universidade de Stanford construiu três edifícios que abrigam atualmente um distrito artístico dentro de seu campus – sendo um deles projetado para receber uma coleção de arte americana do pós-guerra. Esse complexo arquitetônico é acompanhado de uma mudança curricular: todo estudante deve realizar, ao menos, uma disciplina de expressão criativa, independente do curso escolhido. “Stanford analisou que as artes e a criatividade são vitais para a próxima geração de empreendedores, pessoas com capacidade para entender diferentes perspectivas, o que significa trazer algo de novo para o mundo”, comentou Matthew Tiews, diretor Associado para o Desenvolvimento das Artes da Universidade.

Esses jovens distritos artísticos são formulados para abrigar exposições de alto padrão e estimular a pesquisa acadêmica, além de aproximar seus estudantes do universo cultural, resgatando disciplinas que antes eram vistas como conteúdos extracurriculares e periféricos de uma educação formal. No caso de Stanford, alunos de medicina dispõem de um passeio pelas esculturas de Auguste Rodin a fim de realizarem estudos minuciosos de anatomia.

Para as universidades de Rice; Columbia; Duke, na Carolina do Norte; Princeton, em New Jersey; e Virginia Commonwealth, em Richmond, o calendário de 2017 já conta com a inauguração de museus próprios, entre os meses de fevereiro e outubro.

O caso brasileiro
O Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC-USP), é um dos maiores exemplos de museus de arte comandados por universidades brasileiras. A instituição, entretanto, é um caso excepcional no País, por ter um setor curatorial formado por professores e pesquisadores integrantes do corpo docente da USP, permitindo atividades voltadas à integração entre ensino, pesquisa e extensão cultural.

Outras instituições, como o Museu Dom João VI da Universidade Federal do Rio de Janeiro; e a Pinacoteca Barão de Santo Ângelo, da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, em Porto Alegre, também possuem acervos de arte coordenados pelos docentes das respectivas universidades. Entretanto, esse quadro de profissionais não permite que seus professores exerçam uma atividade curatorial permanente, já que são rotativos.

Fora da esfera pública, faculdades privadas como a Fundação Armando Álvares Penteado, em São Paulo, e a UNIFOR, em Fortaleza, possuem museus que abrigam importantes coleções privadas e mantém atividades curriculares que dialogam com o universo das artes e o mundo acadêmico.